O que a briga pelo dress code nos shows de Harry Styles revela sobre o fandom

O cantor Harry Styles inicia a turnê residência no Brasil nesta sexta-feira (17/7). E a repercussão que tem tomado as timelines das redes sociais é uma só: qual roupa vestir. Dentre vários conteúdos criados com opções de looks para todos se inspirarem, há alguns mais irônicos —  e até maldosos — sobre qual estética é “apropriada” para os shows da Together, Together Tour.

Após a Love On Tour, encerrada em 2023, e a chegada da nova era do britânico neste ano, parte do público argumenta que repetir os figurinos da turnê anterior estaria “fora de contexto”, já que o artista teria “evoluído” para uma estética mais sóbria, inspirada no novo álbum Kiss All The Time. Disco, Occasionally.

No entanto, o impasse ganha relevância porque contraria a própria fala do artista, feita em janeiro de 2026, em entrevista à Capital FM UK:

“Eu só quero que eles venham prontos para dançar. Quero que venham prontos para estar com os amigos, fechar os olhos, abrir os olhos, dançar, se soltar e ser o que e quem quer que sejam naquele momento. E acho que vai ser divertido; estarei lá com eles”, respondeu Styles sobre o código de vestimenta da nova turnê.

Como nasceu a cultura de código de vestimenta nas turnês de Harry Styles

Desde que a Love On Tour consolidou Harry Styles como um dos artistas de shows ao vivo mais procurados da década, o público passou a tratar a plateia como extensão do espetáculo com a reprodução de figurinos do cantor. Penas, paetês, chapéus e cores vibrantes foram alguns dos detalhes que os fãs se empenhavam em adicionar aos looks.

E o resultado ainda passava por todo um processo audiovisual nas rede sociais — afinal, o que mais prende a atenção da Geração Z é um vídeo Faça Você Mesmo ou Arrume-se Comigo. Fãs passavam meses costurando peças à mão, colando miçangas e compondo combinações para compartilhar sob a hashtag #HSLOTOutfit, que soma mais de 108 milhões de visualizações no TikTok.

A cultura fashionista segue igual na fanbase. Porém, com alguns ornamentos em peças mais sérias, como gravatas e blazers — algo que o próprio stylist de Harry tem brincado em fazer nas produções fashion dele nas turnês.

Esse contraste entre as duas estéticas é o gatilho da questão: uma parte do público passou a tratar as composições da Love On Tour como peça de museu (algo a ser lembrado, mas talvez não repetido). Enquanto isso, a outra parte segue optando por penas e purpurina, porque é o que os faz sentir confortáveis ou porque é a lembrança de uma fase que carrega valor afetivo.

A cobrança por “atualização” de figurino é uma regra social criada e reforçada pelos fãs entre si. Trata-se de um fenômeno recorrente em fandoms: a plateia, ao longo do tempo, passa a assumir função de curadoria simbólica sobre o que é ou não autêntico em relação ao artista, e essa curadoria pode se tornar mais rígida que a do próprio ídolo — que, nesse caso, nem chega a existir.

Comportamento

A divisão entre quem defende a “atualização” do figurino e quem mantém a estética anterior pode ser lida à luz da teoria do sociólogo alemão Georg Simmel, que descreveu a moda como um equilíbrio instável entre dois impulsos opostos: a imitação, que garante a um indivíduo a segurança de pertencer a um grupo, e a diferenciação, que garante a ele a sensação de ser único dentro desse mesmo grupo. Para Simmel, nenhuma moda é puramente coletiva nem puramente individual — ela vive dessa tensão.

A parcela do fandom que cobra sincronia estética com a turnê atual prioriza o polo da imitação e trata a atualização de visual como condição de pertencimento. Já quem mantém boás e paetê prioriza o polo da diferenciação ao usar a roupa como expressão pessoal blindada da pressão de grupo.

Simmel também notou que uma moda tende a perder força distintiva justamente quando se torna universal dentro de um coletivo. Isso ajuda a explicar por que parte do público trata o figurino da Love On Tour como “encerrado”: ele não ficou esteticamente ultrapassado, apenas deixou de cumprir função de novidade, por ter se tornado padrão comum a todos os que acompanharam aquela fase.

E por que isso importa?

O episódio ilustra como fandoms podem ter o poder de transformar preferências estéticas em normas sociais não solicitadas, criando hierarquias de “pertencimento” dentro de comunidades que, em tese, se organizam em torno de valores de inclusão e autoexpressão.

Na formulação de Georg Simmel, o episódio também expõe uma tensão entre o discurso de marcas e artistas ligados ao mundo fashion— que costumam vender a ideia de liberdade individual — e o comportamento real de parte de seu público, que tende a reproduzir dinâmicas de exclusão observadas em outros contextos de moda e consumo, como cobranças por estar “na moda” ou “desatualizado”.